Ознакомьтесь с нашей политикой обработки персональных данных
  • ↓
  • ↑
  • ⇑
 
Записи с темой: Работа (список заголовков)
06:03 

Dr. Harold E. Edgerton

1389059806-clip-33kb

1389059834-clip-43kb

1389059878-clip-27kb

1389059908-clip-47kb

Гарольд Эджертон впервые использовал стробоскоп будучи студентом Массачусетского технологического института. Он заинтересовался работой мотора и открыл, что если освещать мотор мгновенными вспышками света, он кажется как бы застывшим. Если использовать серию вспышек через заданные интервалы времени, то изображение выглядит как серия последовательных быстро перелистываемых фотографий. Это открытие легло в основу его последующих изобретений.

В 1931 Гарольд Эджертон изобрел электрическую вспышку для фотоаппаратов и в последующем долгое время совершенствовал ее. Он делает фотографии поразившие воображение современников: «Капля молока», «Пуля, прорезающая карту», «Игрок в теннис» и многие другие. Массачусетский технологический институт организует выставку «Увидеть невидимое», на которой было представлено 50 фотографий каплей, всплесков, летящих пуль и взрывов, людей и животных в движении. Без всяких сомнений фотографии Эджертона вызывали чисто научный интерес, но кроме этого они показывали всю красоту ранее невидимого мира.

Тщательный подход к композиции, некий драматизм исходящий от снимков и их новизна повлияли на придание фотографиям Гарольда Эджертона статуса «произведений фотоискусства». Сам же ученый всячески противился этому. «Не надо делать из меня художника», — возмущался он, — «Меня интересуют факты. Только факты».

***
Он был пионером стробоскопической фотографии, технику которой он впоследствии использовал, чтобы запечатлеть, например, лопающийся воздушный шарик или пулю, пробивающую яблоко.

В 1934 году награжден бронзовой медалью Королевского фотографического общества, а в 1973-м — Национальной медалью науки.

В 1947 году вместе с Кеннетом Гермесхаузеном и Гербертом Грие основал компанию EG&G, которая стала основным подрядчиком Комиссии по атомной энергии и играла важнейшую роль в фото- и киносъемке американских ядерных испытаний в 50-х и 60-х годах. Для этой цели была сконструирована камера Rapatronic, которую поставляла EG&G.

1389060200-clip-13kb

Он также много сделал для разработки гидролокатора бокового обзора, применявшегося для поиска обломков затонувших судов на морском дне. Эдгертон сотрудничал с Жаком Кусто, например, при поисках «Британика». С его участием был обнаружен броненосец «Монитор» времен Гражданской войны в США. Именно в этот период он заработал себе прозвище «Papa Flash», под которым до сих пор известен в фотографических кругах.


@темы: работа

05:54 

Eadweard Muybridge

Эдвард Мейбридж, или Майбридж (англ. Eadweard Muybridge; 9 апреля 1830, Кингстон-на-Темзе — 8 мая 1904, Кингстон-на-Темзе) — английский и американский фотограф. Впервые в истории фотографии начал применять несколько фотокамер одновременно. Изобретатель зоопраксископа — устройства для проецирования фильмов, которое существовало до появления целлулоидной плёнки.

читать дальше

1389059435-clip-45kb

крупно




@темы: работа

05:42 

Christian Marclay
Кристиан Марклей

цианотипия

1389058124-clip-115kb

крупно

1389058253-clip-103kb

Изобретён этот способ был в 1842 году английским физиком и астрономом, сэром Джоном Гершелем
сегодня, благодаря своей простоте и ряду других преимуществ, цианотипия – самый массовый из применяемых альтернативных фотопроцессов.

Стоит перечислить преимущества процесса:

это одноступенный процесс, после экспозиции достаточно просто промыть отпечаток от остатков непрореагировавших реактивов;
процесс не требует точных дозировок реактивов;
реактивы дешевы, доступны, стабильны, хорошо хранятся, сравнительно безопасны;
сенсибилизированная бумага может храниться в темном месте до недели;
низкая светочувствительность делает удобным обращение с сенсибилизированной бумагой, ее можно доставать и вставлять в рамку для печати даже на слабом дневном свету; кроме того, низкая светочувствительность делает процесс нетребовательным к точности экспозиции;
возможна печать на самых разных материалах: ткани, бумаге, картоне, дереве;
полученное изображение весьма устойчиво;
естественные тона изображения – глубокий голубой и темный серо-синий – весьма благородны;
возможно тонирование изображения различными способами в зависимости от желаемого цвета.
В общем, цианотипия – весьма неприхотливый и доступный одноступенный процесс, позволяющий получать впечатляющие отпечатки.

В Калифорнии, гуляя вдоль океана, я часто наблюдал за группой детей с учителем. Учитель раздавал детям желтые бумажки, на которые дети выкладывали узоры из веток и ракушек, найденных тут же на берегу. Сложные композиции лежали под солнцем в течение короткого времени, а потом все это стряхивалось с листа, а сам лист относился на промывку прямо под океанские волны. В результате, к всеобщей радости, получались прекрасные цианотипии-фотограммы, сделанные по процессу, изобретенному почти 200 лет назад.

@темы: работа

04:25 

Уалид Бешти (Walead Beshty, 1976, Лондон, Великобритания, живёт и работает в Лос-Анджелесе) — современный американский художник.

В своих работах Уалид Бешти использует ряд ограничений или условий, которые определяют результат, а не полагается на использование метафор или аллюзий. Художник не наделяет произведение своей жизнью, он позволяет некому действию произойти, оставив следы. При этом концептуальные работы Бешти обладают эстетической привлекательностью. Например, серия «рентгеновских» фотографий, для создания которой Бешти провозил пленку через рентгеновскую машину аэропорта, а затем печатал полученный результат. Или серия скульптур — стеклянных кубов, помещающихся в стандартные FedEx коробки, которые Бешти отправлял по почте. Стекло трескалось и ломалось. Трещины становились буквально записью путешествия, визуальными следами физического перемещения. Или зеркальный пол, покрытый паутиной трещин, отображающих следы посетителей галереи. Такой «отстраненный» подход популярен в современном искусстве — произведение децентрирует художника как агента и арбитра значения работы. Вместо этого художник задает условия и отступает, позволяя взаимодействию между зрителем и работой создать значение.

фотограммы

1389052543-clip-89kb




@темы: работа

03:39 

Thomas Demand
Томас Деманд

45-летний Деманд является сегодня одной из суперзвезд международной фотосцены. Как и Олафур Элиассон, он работает в Берлине, снимает под мастерскую бывший фабричный склад. Именно там создает он свои странные, разноцветные, но в то же время мертвенные интерьеры из бумаги и картона, чтобы затем их фотографировать. Сюжеты могут быть абсолютно банальные — вид детской комнаты, захламленный письменный стол или просто засохший цветок на окне. Но при всей обыденности эти виды наводят ужас, как кадры «Психоза» Альфреда Хичкока. Ассоциации с жутковатым домом из этого классического триллера навевают не то чтобы мрачные, но безрадостные полотнища, на фоне которых представлены огромные С-принты Деманда, которые продаются на международных арт-ярмарках за баснословные деньги. Они столь простодушны, что зритель всматривается в них, пытаясь разгадать, что же там скрывается

РЕБЯТА, ВСЕ БРОСАЙТЕ, ИДИТЕ СЮДА
он все это склеил!!
а мы говорим, что фуллер больной

очень крупно

1389051278-clip-103kb

1389051335-clip-65kb

читать дальше

ВСЕ ЭТО СКЛЕИЛ ОН. ЗАНОВО СОЗДАЛ РЕАЛЬНОСТЬ, КОТОРУЮ ХОЧЕТСЯ РАЗВИДЕТЬ
вот этот человек

1389051533-clip-35kb

@темы: работа

03:22 

Francis Bruguière
Фрэнсис Брюгер



читать дальше

1389050296-clip-22kb

Двойная печать Розалинды Фуллер с виолончелью

@темы: работа

23:37 

Эдвард Уэстон (англ. Edward Henry Weston, 24 марта 1886, Хайленд Парк, Иллинойс — 1 января 1958, Уайлдкэт Хилл, Калифорния) — американский фотограф.

1389036552-clip-90kb

В 1932 году вместе с Анселем Адамсом создает группу F64. Название группы говорит само за себя: фотографы использовали максимальное значение диафрагмы и получали резкое изображение по всему кадру.
Группа довольно быстро распалась: тем не менее, она оказала значительное влияние на дальнейшее развитие фотоискусства. Эдвард Уэстон до конца жизни остался верен идеалам группы: использование чисто фотографической эстетики, в частности повышенной четкости и резкости изображения; правдивое, не приукрашенное изображение действительности.
«Снять камень так, чтобы он выглядел как камень, но в тоже время был больше, чем просто камень…»

@темы: работа

23:26 

Уильям Вегман (William Wegman) знаменитый американский фотограф родился в 1943 году в Хольок. Прославился он благодаря снимкам на которых запечатлен его пес Мен Рей, породы веймарская легавая. Очень искренние и интересные, его работы не оставили равнодушным никого. Хотя кроме фотографии Вегман интересовался и оставил свой след в живописи и видео съёмках.
Вместе со своей собакой Вегман стал звездой 70-х годов, множество музеев и галерей были рады выставлять у себя работы фотографа. Однако после такого взлета настало время черной полосы, в 1981 году Мен Рей умер, Вегман очень тяжело переживал утрату. Он решился вновь привести в дом собаку лишь через 5 лет после смерти Мен Рея. Ею стала собака по кличке Фей Рей, ее щенки, в последствии, приняли участие в множестве фотосъёмок и их изображения нередко можно видеть даже сейчас.

1389036393-clip-58kb

@темы: работа

23:20 

Edward Steichen
Эдвард Стайхен

1389035868-clip-36kb







1389036021-clip-59kb

@темы: работа

23:07 

Irving Penn



читать дальше

В 1948г. Ирвин Пенн, будучи в командировке в Перу, сделал серию фотографий, которые пользовались в последствии большим успехом. Несколько дней в Андах в ожидании самолета не были проведены даром. У местного фотографа Irving Penn арендовал студию, которая выглядела довольно экзотично: рисунки на стенах, полы из каменных плиток, какой-то странный столик, который предназначался в качестве опоры для позирующих моделей. Ирвин Пенн сделал в этой студии примерно 200 портретов местных обитателей, в число этих работ входит и довольно знаменитый портрет Cuzco Children» («Дети из города Куско»). По росту цен на данное творение можно определить рост ее популярности: в 1948г. стоимость фотографии составила всего 10 долларов, в 1978г. – 3000, 1988г. – 35000. В 2008г, 11 апреля, платиновый отпечаток 1971 года с размерами 48,6х50,2 см2 ушел за 529000 долларов!

Над проектом «Small Trades», не менее знаменитым, Ирвин Пенн трудился в 1950-1951 годах в Нью-Йорке, Лондоне и Париже. Моделями для снимков становились люди разных профессий в рабочей униформе и с атрибутами, соответствующими своим профессиям, в руках. Эта серия Irvinga Penna, состоящая из 252 фотографий, стала самой большой.




@темы: работа

22:40 

Paul Outerbridge

крупно

Пол Аутербридж (англ. Paul Outerbridge, 15 августа 1896, Нью-Йорк — 17 октября 1958, Лагуна-Бич, Калифорния) — американский фотограф.
В юности подрабатывал книжной иллюстрацией и сценографией. Фотографировать начал в армии, куда был мобилизован в 1917 году. С 1921 года учился фотоискусству в Колумбийском университете у Кларенса Уайта. Испытал влияние Пола Стренда. Его снимки появились в модных журналах Vanity Fair, Vogue, Harper's Bazaar. Сблизился с Альфредом Стиглицем. Занимался скульптурой в мастерской А. Архипенко. В 1925 году Королевское фотографическое общество Великобритании предложило устроить Аутербриджу персональную выставку в Лондоне. Оттуда он переехал в Париж, где познакомился и подружился с Маном Рэем, Марселем Дюшаном, Беренис Эббот, Эдвардом Стейхеном. Познакомился с Пикассо, Бранкузи, Пикабиа, Стравинским. Работал на французский Vogue. В 1929 году двенадцать фотографий Аутербриджа были показаны на германской выставке Фильм и Фото (ФиФо).
Вернувшись в Нью-Йорк в 1929 году, открыл собственную студию, начал пропагандировать цветную фотографию в Американском фотожурнале. В 1937 году фотографии Аутербриджа были включены в экспозицию МОМ. В 1940 году опубликовал книгу Photographing in Color, оказавшую решающее воздействие на становление цветной фотографии.
Цветные фотографии обнаженной натуры и фетишистские мотивы работ Аутербриджа (а фотография для него была неотъемлема от фетишизма) вызывали в в Нью-Йорке скандал. Фотограф перебрался в Голливуд (1943), а затем в Лагуна-Бич, где открыл маленькую студию фотопортрета. Путешествовал, вел колонку в Американском фотожурнале.

@темы: работа

22:29 

Barbara Kasten

крупно

Фотоработы Барбары Кастен стирают линию между абстрактным потенциалом и основными свойствами плоскости. Родившаяся в 1936 году в Чикаго и прошедшая серьезное увлечение конструктивизмом, Барабара создает работы, которые балансируют на грани геометричной графики 20ых и бывших тогда же фотоэкспериментов, создававших пространства полные иллюзий. Сегодня мы хотим представить работы ее центрального цикла, сделанные с использованием техники #polaroid

Кастен достаточно долго шла к занятиям фотографией: она получила художественное образование в 50ых и посвятила почти десятилетие экспериментам со скульптурами из ткани, но в самом начале семидесятых ее видение радикально преобразилось и от пространственной скульптуры, художница перешла к плоским двумерным композициям.

Каждая ее работа из цикла "Конструкции" - это фотография архитектурного субститута, собранного в определенном пространстве из скупого набора средств - цветной плексиглас, стекло, картон, проволока, зеркала, листовой металл и прокат. Каждый снимок отпечатан в единственном экземпляре, а сами конструкции тут же метаморфировали в новые композиции. Начав с черно-белых фотографий, на смену традиционному фотооборудованию пришли полароиды, а композиции видоизменились - в них появился цвет, сделавший возможным появление своего рода героев ее фотографий, выделяющихся на общем композиционном фоне.

Долгое время работы представляли собой диалог с неоконструктивизмом, но позже, когда добавив цвет мастер вторгся в пространства архитектуры и дизайна, стиль Кастен был определен ловким критиком, как "минималистское галюциногенное барокко", в котором фотография, в общем-то отходит на второй план, предоставляя место неуловимой драме форм.

"Я хочу делать невидимое очевидным. Свет - существенный элемент фотографии - создает ощущение реальности всего с ее помощью изображенного. Но удивительно то, что будучи лишенной объема, фотография предстает как нечто нематериальное, абстрактное, подвижное"

Сегодня работы нашей героини есть практически во всех ведущих музеях мира, являясь частью большого проекта "абстрактного фото"

@темы: работа

22:17 

Jan Groover

крупно

1389031935-clip-13kb

Groover was noted for her use of emerging color technologies. In 1979, Groover began to use platinum prints for portraits and still lifes, transforming everyday items into beautiful, formal still lifes. In 1987, critic Andy Grundberg noted in The New York Times, "In 1978 an exhibition of her dramatic still-life photographs of objects in her kitchen sink caused a sensation. When one appeared on the cover of Artforum magazine, it was a signal that photography had arrived in the art world - complete with a marketplace to support it."[3]
Groover also used early 20th century camera technology, such as the banquet camera, for elongated, horizontal presentations of otherwise pedestrian items. In a New York Times review of Groover's work exhibited at Janet Borden Inc., New York, in 1997, critic Roberta Miller called Groover's work "beautiful and masterly in the extreme."

Пла́тиновая печа́ть читать дальше

A banquet camera is a type of large format camera used in the early 20th century for photographing large groups of people in formal occasions.

The film format of banquet cameras were of narrow aspect ratio, with formats of 7x17 in. and 12x20 in. being common. Their use died out as enlarging smaller formats became more popular [1] wide angle lens use increased, and the snapshot aesthetic became acceptable to record even highly formal events.

1389032238-clip-81kb

@темы: работа

22:01 

Geta Brătescu
румынка Гета Братеску принадлежит к мастерам, чьи работы по ряду причин долгое время оставались незамеченными и неоцененными публикой

1389030823-clip-53kb

читать дальше

@темы: работа

21:51 

Constantin Brancusi

Константи́н Бранку́зи (Брынку́ши, Брынкуш, Брынкушь, рум. Brâncuşi/Brîncuşi, фр. Brancusi, 19 февраля 1876, с. Хобица, Олтения, Румыния — 16 марта 1957, Париж) — французский скульптор румынского происхождения, один из главных основателей стиля абстрактной скульптуры, ярчайший представитель парижской школы, имеющий мировое имя в авангардном искусстве XX века.
читать дальше

Использовал выразительность текучих стилизованных контуров, целостных объёмов, фактуры материалов для создания обобщённо-символических образов («Поцелуй», камень, 1908; «Прометей», мрамор, бронза, 1911; серия «Птица в пространстве», бронза, 1912—1940), усиливая со временем лаконизм и геометрическую отвлечённость форм. Скандальную популярность получила его «обсценная скульптура» 1916 года «Портрет княгини Бибеску», при взгляде издалека бюст молодой женщины по форме в целом идеально напоминал мужской фаллос. Несколько раз эта скульптура подвергалась аресту со стороны Министерства Культуры Франции, а сам Бранкузи — судебному преследованию (за аморальность).
В ряде работ выступил одним из родоначальников абстракционизма в европейской скульптуре. В центральных произведениях — мемориальном архитектурно-скульптурном комплексе на улице Героев в городе Тыргу-Жиу (1937—1938; «Бесконечная колонна», (позолоченная сталь); «Стол молчания», «Врата поцелуя» — (оба камень) достиг лапидарной простоты форм, используя традиции румынского народного искусства.

1389030289-clip-40kb

1389030367-clip-38kb

1389030401-clip-65kb

“Why write?” Brancusi once queried. “Why not just show the photographs?” The sculptor included many great photographers among his friends—Edward Steichen was one of his early champions in the United States; in 1914 Alfred Stieglitz organized his first solo exhibition in New York; Man Ray helped him buy photographic equip- ment; Berenice Abbott studied sculpture under him; and he was on close terms with Brassaï, André Kertész, and László Moholy-Nagy. Yet he declined to have his work photographed by others, preferring instead to take, develop, and print his own pictures.

If in the real world a sculpture may belong to one arrangement only, photography enables combinations of the same piece in different configurations, positions, and orientations. Brancusi articulated the studio around groupes mobiles (mobile groups), each comprising several pieces of sculpture, bases, and pedestals. Assembling and reassembling his sculptures for the camera, Brancusi used photography as a diary of his sculptural permutations. He also developed an aesthetic antithetical to the usual photographic standards. His photos radieuses (radiant photos) are characterized by flashes of light that dematerialize the static, monolithic materiality of traditional sculpture. If, as it is often said, Brancusi “invented” modern sculpture, his use of photography belongs to a reevaluation of sculpture’s modernity.

1389030595-clip-27kb
Constantin Brancusi (French, born Romania, 1876–1957). Head of a Sleeping Child [colored plaster], Newborn II. c. 1920 +

1389030651-clip-28kb

@темы: работа

21:40 

Karl Blossfeldt

Карл Блосфельдт (нем. Karl Blossfeldt, 1865—1932) — немецкий фотограф, скульптор и преподаватель, работавший в Берлине. Работал с камерой собственного изобретения, позволявшей ему достигать 30 кратного увеличения, относительно их оригинального размера. Фотографировал в основном цветы, растения и фрагменты растений. При таком увеличении растения напоминают абстрактные формы, а не само растение как таковое. Фотографии Блосфельдта можно в равной степени отнести как к научной фотографии, так и к произведениям искусства.

1389029920-clip-29kb

1389029953-clip-29kb

1389029977-clip-37kb

1389030006-clip-31kb

@темы: работа

18:11 

Zeke Berman

1389016974-clip-41kb

Using string, wood, clay, water, paper, and glass, photographer Zeke Berman creates complicated still lifes that resist clear-cut visual interpretation.

photobara.pro/?p=1065

1389017263-clip-27kb

читать дальше

@темы: работа

17:46 

Uta Barth
to draw with light

1389015815-clip-19kb

читать дальше

@темы: работа

17:38 

Беренис Эббот (англ. Berenice Abbott; 17 июля 1898 — 9 декабря 1991) — американский фотограф, получившая известность прежде всего благодаря фотографиям Нью-Йорка 1930-х годов. Эббот принято считать первой женщиной-фотографом, сумевшей добиться широкой известности в этой традиционно мужской профессии[1].

читать дальше

science photography

While working on her photography, Berenice became intrigued by science and studied physics, chemistry, and engineering on her own. In order to capture motions that are too fast or too detailed for the human eye, she even invented special equipments to make the imaging possible, which she called “Super Sight.” Through these endeavors, she became interested in the possibility of the union between art and science, which she explored using photography as the medium.

What made Berenice stand out among other modernist photographer of her time was that she insisted on the “accurate portrait of scientific phenomena” (in her own words) rather than creating good-looking designs out of scientific concepts (such as wave patterns).

Berenice worked two years at MIT, where she produced portraits of the principles of physical sciences, including mechanics, electromagnetism, and waves. Her scientific photography that portrays the physical phenomena appeared in textbooks and helped high school students to visualize the phenomena in much more conveying way than illustrations. These include a photograph of a ball bouncing in smaller and smaller arcs, demonstrating the physical effect of gravity.

Berenice writes, “There needs to be a friendly interpreter between science and the layman.” I hope to achieve this through writing this blog, as Berenice did through her photography.

в 1940-е годы Беренис Эббот, к тому времени уже опытный мастер, фоторедактор журнала Science Illustrated, получила град издевательских отзывов из ученой среды за свои попытки снимать физико-химические процессы.

Формальными причинами для остракизма были якобы академические неточности, допущенные автором в ходе этих специфических фотосессий, но сама Беренис была уверена, что все дело в сексизме.

И с удвоенным упрямством продолжила снимать научные эксперименты и иллюстрации к законам природы.

Неуступчивость принесла свои плоды: в 1958 году комитет по изучению физических наук при Массачусетском технологическом институте пригласил Беренис Эббот создать серию визуальных материалов для нового школьного учебника. К слову, тогдашний мозговой штурм по всем научным направлениям случился в США после запуска первого советского спутника Земли:

власти забили тревогу из-за возможного отставания от русских и спешно бросились подтягивать техническое и естественно-научное образование.

Эббот тоже подключили к процессу, и два с половиной года она работала над фотографической серией «Образ физики»

1389015461-clip-34kb

1389015504-clip-19kb

@темы: работа

17:27 

Roman Signer

1389014286-clip-18kb

1389014346-clip-31kb

As well as working in his studio, which he calls his lab, Signer often takes off to the Swiss mountains to conduct larger experiments. "I'm no scientist," he maintains, "I'm a tinkerer." Many of his happenings are not for public viewing, and are only documented in photos and film.

This exhibition at the Swiss Institute is divided into four rooms. The first room presents Piano (2010), which is comprised of a grand piano that is filled with table tennis balls. Two oscillating fans are placed on either side of the instrument. The gentle airflow causes the balls to dance on the chords, creating ambient music. The second room presents Cinema (2010) an installation with rows of wooden chairs and a projected film. In the back of the room, one chair mysteriously rocks back and forth, as if led by an invisible hand.

1389014604-clip-11kb

читать дальше

Роман Зигнер (нем. Roman Signer, 1938) — швейцарский художник.
Р.Зигнер известен тем, что заставляет обычные повседневные объекты делать необычные вещи. На «Documenta 8» (1987), например, он запустил тысячи листов бумаги в воздух, создав на непродолжительное время эфемерную стену. Для «Skulptur Projekte» в Мюнстере в 1997 он встроил трубку в трость и заставил ее танцевать над прудом, рисуя на зеркальной поверхности воды тонкой струей воды. Роман Зигнер представлял Швейцарию на Венецианской биеннале в 1999.
Повседневные объекты, такие как зонты, столы, ботинки, контейнеры, шляпы и велосипеды — небольшая часть визуального словаря художника. Также он использует взрывчатые вещества для быстрых изменений и преобразований, такие природные элементы, как вода, воздух, огонь и земля. Вырывая знакомые объекты из привычного контекста и сочетая их новым неожиданным способом, он открывает зрителю, как ограничен обычный взгляд на окружающие объекты. Его скульптуры и инсталляции, рисунки и видео, которые часто замораживают временные скульптуры в постоянные формы, всегда предлагает переосмысление моделей восприятия, которые мы считаем само собой разумеющимся.
Роман Зигнер всегда описывал себя как скульптора. Исходя из процесс-ориентированной концепции скульптуры 1960-х и 1970-х, художник видит свои работы как пластические формации в пространстве и времени. Он переводит статику и объектную природу традиционной скульптуры во временные скульптуры, расширяя концепцию скульптуры, определяя момент сам по себе как пластический. В его работе действие и скульптура, динамичные и статичные моменты не являются взаимоисключающими, а являются частями одной структуры. Каждая работа Зигнера может быть разделена на «до», «происходящее событие» и «после». Его объекты и инсталляции содержат следы, указывающие на предварительные процессы создания или на возможные изменения, которые могут возникнуть. Работы Романа Зигнера оперируют на границе конкретного и воображаемого.

@темы: работа

Дневник тетушки-непогодушки

главная