Уильям Вегман (William Wegman) знаменитый американский фотограф родился в 1943 году в Хольок. Прославился он благодаря снимкам на которых запечатлен его пес Мен Рей, породы веймарская легавая. Очень искренние и интересные, его работы не оставили равнодушным никого. Хотя кроме фотографии Вегман интересовался и оставил свой след в живописи и видео съёмках.
Вместе со своей собакой Вегман стал звездой 70-х годов, множество музеев и галерей были рады выставлять у себя работы фотографа. Однако после такого взлета настало время черной полосы, в 1981 году Мен Рей умер, Вегман очень тяжело переживал утрату. Он решился вновь привести в дом собаку лишь через 5 лет после смерти Мен Рея. Ею стала собака по кличке Фей Рей, ее щенки, в последствии, приняли участие в множестве фотосъёмок и их изображения нередко можно видеть даже сейчас.

@темы: работа

---

Edward Steichen
Эдвард Стайхен

@темы: работа

---

Irving Penn













В 1948г. Ирвин Пенн, будучи в командировке в Перу, сделал серию фотографий, которые пользовались в последствии большим успехом. Несколько дней в Андах в ожидании самолета не были проведены даром. У местного фотографа Irving Penn арендовал студию, которая выглядела довольно экзотично: рисунки на стенах, полы из каменных плиток, какой-то странный столик, который предназначался в качестве опоры для позирующих моделей. Ирвин Пенн сделал в этой студии примерно 200 портретов местных обитателей, в число этих работ входит и довольно знаменитый портрет Cuzco Children» («Дети из города Куско»). По росту цен на данное творение можно определить рост ее популярности: в 1948г. стоимость фотографии составила всего 10 долларов, в 1978г. – 3000, 1988г. – 35000. В 2008г, 11 апреля, платиновый отпечаток 1971 года с размерами 48,6х50,2 см2 ушел за 529000 долларов!

Над проектом «Small Trades», не менее знаменитым, Ирвин Пенн трудился в 1950-1951 годах в Нью-Йорке, Лондоне и Париже. Моделями для снимков становились люди разных профессий в рабочей униформе и с атрибутами, соответствующими своим профессиям, в руках. Эта серия Irvinga Penna, состоящая из 252 фотографий, стала самой большой.

@темы: работа

---

Paul Outerbridge

крупно

Пол Аутербридж (англ. Paul Outerbridge, 15 августа 1896, Нью-Йорк — 17 октября 1958, Лагуна-Бич, Калифорния) — американский фотограф.
В юности подрабатывал книжной иллюстрацией и сценографией. Фотографировать начал в армии, куда был мобилизован в 1917 году. С 1921 года учился фотоискусству в Колумбийском университете у Кларенса Уайта. Испытал влияние Пола Стренда. Его снимки появились в модных журналах Vanity Fair, Vogue, Harper's Bazaar. Сблизился с Альфредом Стиглицем. Занимался скульптурой в мастерской А. Архипенко. В 1925 году Королевское фотографическое общество Великобритании предложило устроить Аутербриджу персональную выставку в Лондоне. Оттуда он переехал в Париж, где познакомился и подружился с Маном Рэем, Марселем Дюшаном, Беренис Эббот, Эдвардом Стейхеном. Познакомился с Пикассо, Бранкузи, Пикабиа, Стравинским. Работал на французский Vogue. В 1929 году двенадцать фотографий Аутербриджа были показаны на германской выставке Фильм и Фото (ФиФо).
Вернувшись в Нью-Йорк в 1929 году, открыл собственную студию, начал пропагандировать цветную фотографию в Американском фотожурнале. В 1937 году фотографии Аутербриджа были включены в экспозицию МОМ. В 1940 году опубликовал книгу Photographing in Color, оказавшую решающее воздействие на становление цветной фотографии.
Цветные фотографии обнаженной натуры и фетишистские мотивы работ Аутербриджа (а фотография для него была неотъемлема от фетишизма) вызывали в в Нью-Йорке скандал. Фотограф перебрался в Голливуд (1943), а затем в Лагуна-Бич, где открыл маленькую студию фотопортрета. Путешествовал, вел колонку в Американском фотожурнале.

@темы: работа

---

Barbara Kasten

крупно

Фотоработы Барбары Кастен стирают линию между абстрактным потенциалом и основными свойствами плоскости. Родившаяся в 1936 году в Чикаго и прошедшая серьезное увлечение конструктивизмом, Барабара создает работы, которые балансируют на грани геометричной графики 20ых и бывших тогда же фотоэкспериментов, создававших пространства полные иллюзий. Сегодня мы хотим представить работы ее центрального цикла, сделанные с использованием техники #polaroid

Кастен достаточно долго шла к занятиям фотографией: она получила художественное образование в 50ых и посвятила почти десятилетие экспериментам со скульптурами из ткани, но в самом начале семидесятых ее видение радикально преобразилось и от пространственной скульптуры, художница перешла к плоским двумерным композициям.

Каждая ее работа из цикла "Конструкции" - это фотография архитектурного субститута, собранного в определенном пространстве из скупого набора средств - цветной плексиглас, стекло, картон, проволока, зеркала, листовой металл и прокат. Каждый снимок отпечатан в единственном экземпляре, а сами конструкции тут же метаморфировали в новые композиции. Начав с черно-белых фотографий, на смену традиционному фотооборудованию пришли полароиды, а композиции видоизменились - в них появился цвет, сделавший возможным появление своего рода героев ее фотографий, выделяющихся на общем композиционном фоне.

Долгое время работы представляли собой диалог с неоконструктивизмом, но позже, когда добавив цвет мастер вторгся в пространства архитектуры и дизайна, стиль Кастен был определен ловким критиком, как "минималистское галюциногенное барокко", в котором фотография, в общем-то отходит на второй план, предоставляя место неуловимой драме форм.

"Я хочу делать невидимое очевидным. Свет - существенный элемент фотографии - создает ощущение реальности всего с ее помощью изображенного. Но удивительно то, что будучи лишенной объема, фотография предстает как нечто нематериальное, абстрактное, подвижное"

Сегодня работы нашей героини есть практически во всех ведущих музеях мира, являясь частью большого проекта "абстрактного фото"

@темы: работа

---

Jan Groover

крупно

Groover was noted for her use of emerging color technologies. In 1979, Groover began to use platinum prints for portraits and still lifes, transforming everyday items into beautiful, formal still lifes. In 1987, critic Andy Grundberg noted in The New York Times, "In 1978 an exhibition of her dramatic still-life photographs of objects in her kitchen sink caused a sensation. When one appeared on the cover of Artforum magazine, it was a signal that photography had arrived in the art world - complete with a marketplace to support it."[3]
Groover also used early 20th century camera technology, such as the banquet camera, for elongated, horizontal presentations of otherwise pedestrian items. In a New York Times review of Groover's work exhibited at Janet Borden Inc., New York, in 1997, critic Roberta Miller called Groover's work "beautiful and masterly in the extreme."

Пла́тиновая печа́ть (англ. platinum print или platinotype) — процесс монохромной фотопечати, основанный на светочувствительности оксалата железа(III).
Под действием света оксалат железа(III) превращается в оксалат железа(II). Далее, оксалат железа(II) взимодействует с платиной(II) (или палладием(II)), превращая её в обычную платину, которая и образует изображение.
Процесс был изобретен Уильямом Уиллисом в 1873 году, первая платиновая фотобумага была представлена на рынке в 1881 году и была произведена «Компанией платиновой печати» (Platinotype Company), основанной Уиллисом в 1879 году.
Когда Уиллис представил свой процесс, платина была довольно дешева, но стала быстро дорожать с 1906 года. В 1907 году платина оказалась в 52 раза дороже серебра. Производство бумаги было прекращено в 1916 году. Во времена Первой мировой войны 90 % рынка платины контролировала Российская империя, и вся доступная платина использовалась в военных целях.
Из-за недоступности и дороговизны соответствующей бумаги, фотографы экспериментировали с бумагой на основе палладия и смеси палладия с платиной. Платиновая фотобумага продолжает использоваться и до сегодняшнего дня, с перерывами только на мировые войны.
Характеристики[править | править исходный текст]

Отличное качество поверхности, сравнимое с современными глянцевыми отпечатками.
Очень приятный, широкий диапазон тонов.
Отпечатки не покрыты желатиной, поэтому со временем не скручиваются.
Самые темные тона выглядят немного светлее, чем на серебряных отпечатках.
Очень стабильный процесс, дающий меньше брака в случае ошибок, чем серебряные процессы.
Платиновые отпечатки — одни из наиболее стабильных для архивного хранения из всех фотоотпечатков, сделанных на основе металлов, срок архивного хранения может достигать тысячи лет.

A banquet camera is a type of large format camera used in the early 20th century for photographing large groups of people in formal occasions.

The film format of banquet cameras were of narrow aspect ratio, with formats of 7x17 in. and 12x20 in. being common. Their use died out as enlarging smaller formats became more popular [1] wide angle lens use increased, and the snapshot aesthetic became acceptable to record even highly formal events.

@темы: работа

---

Geta Brătescu
румынка Гета Братеску принадлежит к мастерам, чьи работы по ряду причин долгое время оставались незамеченными и неоцененными публикой

@темы: работа

---

Constantin Brancusi

Константи́н Бранку́зи (Брынку́ши, Брынкуш, Брынкушь, рум. Brâncuşi/Brîncuşi, фр. Brancusi, 19 февраля 1876, с. Хобица, Олтения, Румыния — 16 марта 1957, Париж) — французский скульптор румынского происхождения, один из главных основателей стиля абстрактной скульптуры, ярчайший представитель парижской школы, имеющий мировое имя в авангардном искусстве XX века.
Константин Бранкузи родился в 1876 году в румынском селе Хобица в патриархальной крестьянской семье, в которой рос среди пяти братьев. Едва закончив начальную школу, ради пополнения скудного семейного заработка нанялся мальчиком на побегушках к купцу гончару, торговавшему бочками и скобяным товаром. Именно в эти годы Константин в свободное время начал понемногу вырезать перочинным ножиком фигурки из дерева и учиться лепить из глины. Благодаря счастливой случайности, Константину удалось поступить и даже закончить художественную школу в городе Крайова. Затем ушёл в Бухарест, где в 1898—1902 годах брал уроки в школе изящных искусств. В 25 лет, доведённый до отчаяния нищетой, отсутствием интереса к своему творчеству и особенно жёсткими, навязчивыми нравами соотечественников, Константин Бранкузи был вынужден покинуть родину. В 1902 году он, как настоящий крестьянский сын, уходит пешком с одной котомкой за плечами сначала в Германию (Мюнхен), а спустя ещё два года — в Париж (1904), где поступает и снова учится в Школе изящных искусств (1904—1907). Бранкузи два месяца был ассистентом в мастерской Родена, но ушёл оттуда, сказав, что «под большим деревом ничего не вырастет»[1].
Значительную часть жизни (до 1939 года) Константин Бранкузи жил и работал в Париже, где и получил всемирную известность под «офранцуженной» фамилией Бранкузи́. Однако Бранкузи до конца своего пребывания в Париже (за 35 лет) так и не ассимилировался. Он неизменно поддерживал своих соотечественников, давал им работу, общался с ними и всячески помогал им устроиться в Париже. Широкий круг его друзей и приятелей состоял из множества художников-авангардистов, а также музыкантов, скульпторов и всяких прочих приятных ему людей румынского происхождения. Отдельное очень важное место в жизни и творчестве Константина Бранкузи французского периода занимал композитор-авангардист Эрик Сати, дружба с которым (в 1919-1925 годах) помогла Бранкузи окончательно освоиться во Франции и в значительной степени изменила его мироощущение. Перед самым началом войны с нацистской Германией, словно почувствовав опасность каким-то крестьянским чутьём, Бранкузи переселился из Парижа в США, поначалу — в Нью-Йорк, где был уже очень давно известен. С 1910-х годов его работы участвовали во многих выставках, были куплены частными собраниями, а также — главными национальными галереями.
Большую часть своей жизни Константин Бранкузи был очень одинок. Обладая ярким, эксцентричным характером, он очень медленно и трудно привязывался к людям и ещё более тяжело пытался привыкнуть к их отсутствию. Несмотря на видимую общительность и отзывчивость к чужой беде, он очень редко подпускал людей к близкому, душевному общению. Одним из таких настоящих друзей Бранкузи был — Эрик Сати, о котором отдельно сказано ниже. Несмотря на то, что Константин Бранкузи всюду сохранял свою национальную идентичность и крайнюю самобытность, французы считали его своим и называли «наш Бранкузи», точно также и в Соединённых Штатах принимали его за «своего», стопроцентного американца. Умер Константин Бранкузи глубоким стариком, в возрасте 81 года, похоронен на парижском кладбище Монпарнас.
За год до смерти, в 1956-м, Бранкузи завещал свое Ателье со всем его содержимым Французской Республике с условием последующей его музеефикации[2].
В культурном Центре «Помпиду» с самого начала его существования есть отдельная «комната Бранкузи».

Использовал выразительность текучих стилизованных контуров, целостных объёмов, фактуры материалов для создания обобщённо-символических образов («Поцелуй», камень, 1908; «Прометей», мрамор, бронза, 1911; серия «Птица в пространстве», бронза, 1912—1940), усиливая со временем лаконизм и геометрическую отвлечённость форм. Скандальную популярность получила его «обсценная скульптура» 1916 года «Портрет княгини Бибеску», при взгляде издалека бюст молодой женщины по форме в целом идеально напоминал мужской фаллос. Несколько раз эта скульптура подвергалась аресту со стороны Министерства Культуры Франции, а сам Бранкузи — судебному преследованию (за аморальность).
В ряде работ выступил одним из родоначальников абстракционизма в европейской скульптуре. В центральных произведениях — мемориальном архитектурно-скульптурном комплексе на улице Героев в городе Тыргу-Жиу (1937—1938; «Бесконечная колонна», (позолоченная сталь); «Стол молчания», «Врата поцелуя» — (оба камень) достиг лапидарной простоты форм, используя традиции румынского народного искусства.







“Why write?” Brancusi once queried. “Why not just show the photographs?” The sculptor included many great photographers among his friends—Edward Steichen was one of his early champions in the United States; in 1914 Alfred Stieglitz organized his first solo exhibition in New York; Man Ray helped him buy photographic equip- ment; Berenice Abbott studied sculpture under him; and he was on close terms with Brassaï, André Kertész, and László Moholy-Nagy. Yet he declined to have his work photographed by others, preferring instead to take, develop, and print his own pictures.

If in the real world a sculpture may belong to one arrangement only, photography enables combinations of the same piece in different configurations, positions, and orientations. Brancusi articulated the studio around groupes mobiles (mobile groups), each comprising several pieces of sculpture, bases, and pedestals. Assembling and reassembling his sculptures for the camera, Brancusi used photography as a diary of his sculptural permutations. He also developed an aesthetic antithetical to the usual photographic standards. His photos radieuses (radiant photos) are characterized by flashes of light that dematerialize the static, monolithic materiality of traditional sculpture. If, as it is often said, Brancusi “invented” modern sculpture, his use of photography belongs to a reevaluation of sculpture’s modernity.


Constantin Brancusi (French, born Romania, 1876–1957). Head of a Sleeping Child [colored plaster], Newborn II. c. 1920 +

@темы: работа

---

Karl Blossfeldt

Карл Блосфельдт (нем. Karl Blossfeldt, 1865—1932) — немецкий фотограф, скульптор и преподаватель, работавший в Берлине. Работал с камерой собственного изобретения, позволявшей ему достигать 30 кратного увеличения, относительно их оригинального размера. Фотографировал в основном цветы, растения и фрагменты растений. При таком увеличении растения напоминают абстрактные формы, а не само растение как таковое. Фотографии Блосфельдта можно в равной степени отнести как к научной фотографии, так и к произведениям искусства.

@темы: работа

---

Zeke Berman



Using string, wood, clay, water, paper, and glass, photographer Zeke Berman creates complicated still lifes that resist clear-cut visual interpretation.

photobara.pro/?p=1065

@темы: работа

---

Uta Barth
to draw with light

@темы: работа

---

Беренис Эббот (англ. Berenice Abbott; 17 июля 1898 — 9 декабря 1991) — американский фотограф, получившая известность прежде всего благодаря фотографиям Нью-Йорка 1930-х годов. Эббот принято считать первой женщиной-фотографом, сумевшей добиться широкой известности в этой традиционно мужской профессии[1].

Беренис Эббот родилась в городе Спрингфилд (штат Огайо). В раннем возрасте проявился независимый характер Эббот, в бунтарском порыве она сменила имя с Бернис на Беренис. В детстве она пережила развод родителей, осталась жить с матерью, а братья переехали к отцу, больше они не общались. Возможно, что из-за несчастливого брака родителей Беренис так и не вышла замуж и считала, что для брак — это конец, для женщины стремящейся работать[1]. После окончания школы она училась в Университете штата Огайо на факультете журналистики.
В 20 лет Эббот переехала в Нью-Йорк, поселилась в богемном квартале Гринвич-Виллидж, где занималась живописью и скульптурой, подрабатывала официанткой и актрисой на маленьких ролях, а также познакомилась с Марселем Дюшаном и Маном Рэем. В 1921 году Эббот отправилась в Париж, где прожила до 1929 года. Она начинала карьеру как ассистент Мана Рэя. До этой работы Эббот ничего не знала о работе фотографа, но вскоре нашла, что фотография гораздо интереснее скульптуры. Проработав три года у Рэя, Эббот завела собственную мастерскую и выработала правила для дальнейшей работы: она не искала клиентов, не использовала рекламу и никогда не снимала бесплатно. Эббот стала почти официальным портретистом интеллектуалов, у неё фотографировались знаменитости — Джойс, Кокто, Андре Жид. Вскоре она познакомилась с Эженом Атже, а после его смерти способствовала популяризации его работ, проводила выставки и управляла до 1968 года его архивом.
В 1929 году Эббот вернулась в США. Она стала самостоятельно снимать Нью-Йорк, подражая своему наставнику Эжену Атже, который никогда не снимал по заказу. В 1930-е годы она получила широкую известность благодаря своим фотографиям Нью-Йорка. Выставка, которую Эббот подготовила в Музее Нью-Йорка в 1934 году, помогла ей найти серьёзных покровителей (проект начала финансировать Федеральная программа поддержки искусств) и соавтора — художественного критика Элизабет Маккосланд, которая стала близким другом Эббот.
В 1940-е и 1950-е годы Эббот продолжала работать, но уже вдали от внимания широкой публики. Её основной работой стала съёмка физических и химических процессов. Для более глубокого понимания проходящего она посещала курсы химии. Однако Эббот столкнулась в весьма скептическим отношениям к её работам со стороны научного сообщества, сама она считала, что стала жертвой сексизма. Тем не менее, в 1958 году Эббот была включена в комиссию Массачусетского технологического института, созданную для улучшения школьной программы образования[1].
В последние годы жизни Эббот фотографировала сельские ландшафты от Флориды до Мэна. Во время этого проекта она присмотрела себе тихий домик в штате Мэн, где и прожила до конца своих дней. В 1970-е годы в связи с ростом популярности искусства фотографии, её дом стал местном паломничество для поклонников, начинающих фотографов и журналистов[1].
Эббот много снимала, преподавала фотографию, писала книги, изобретала фотографическое оборудование и технику. Одной из первых ей удалось на равных соревноваться с мужчинами в получении заказов, ей посвящено множество книг и выставок. Пожалуй самым известным стал её проект «Меняющийся Нью-Йорк» — выставка в Музее города Нью-Йорка в 1937 году.
Альбомы[править | править исходный текст]

«Меняющийся Нью-Йорк» (Changing New York) — 1939, в 1973 году переиздан под названием «Нью-Йорк тридцатых годов» (New York in the 30’s);
«Гринвич-Виллидж сегодня и вчера» (Greenwich Village: Today and Yesterday) — 1949;
«Фотографии» (Photographs) — 1970;
«Мир Атже» (The World of Atget) — 1964, 1979.



science photography

While working on her photography, Berenice became intrigued by science and studied physics, chemistry, and engineering on her own. In order to capture motions that are too fast or too detailed for the human eye, she even invented special equipments to make the imaging possible, which she called “Super Sight.” Through these endeavors, she became interested in the possibility of the union between art and science, which she explored using photography as the medium.

What made Berenice stand out among other modernist photographer of her time was that she insisted on the “accurate portrait of scientific phenomena” (in her own words) rather than creating good-looking designs out of scientific concepts (such as wave patterns).

Berenice worked two years at MIT, where she produced portraits of the principles of physical sciences, including mechanics, electromagnetism, and waves. Her scientific photography that portrays the physical phenomena appeared in textbooks and helped high school students to visualize the phenomena in much more conveying way than illustrations. These include a photograph of a ball bouncing in smaller and smaller arcs, demonstrating the physical effect of gravity.

Berenice writes, “There needs to be a friendly interpreter between science and the layman.” I hope to achieve this through writing this blog, as Berenice did through her photography.

в 1940-е годы Беренис Эббот, к тому времени уже опытный мастер, фоторедактор журнала Science Illustrated, получила град издевательских отзывов из ученой среды за свои попытки снимать физико-химические процессы.

Формальными причинами для остракизма были якобы академические неточности, допущенные автором в ходе этих специфических фотосессий, но сама Беренис была уверена, что все дело в сексизме.

И с удвоенным упрямством продолжила снимать научные эксперименты и иллюстрации к законам природы.

Неуступчивость принесла свои плоды: в 1958 году комитет по изучению физических наук при Массачусетском технологическом институте пригласил Беренис Эббот создать серию визуальных материалов для нового школьного учебника. К слову, тогдашний мозговой штурм по всем научным направлениям случился в США после запуска первого советского спутника Земли:

власти забили тревогу из-за возможного отставания от русских и спешно бросились подтягивать техническое и естественно-научное образование.

Эббот тоже подключили к процессу, и два с половиной года она работала над фотографической серией «Образ физики»

@темы: работа

---

Roman Signer





As well as working in his studio, which he calls his lab, Signer often takes off to the Swiss mountains to conduct larger experiments. "I'm no scientist," he maintains, "I'm a tinkerer." Many of his happenings are not for public viewing, and are only documented in photos and film.

This exhibition at the Swiss Institute is divided into four rooms. The first room presents Piano (2010), which is comprised of a grand piano that is filled with table tennis balls. Two oscillating fans are placed on either side of the instrument. The gentle airflow causes the balls to dance on the chords, creating ambient music. The second room presents Cinema (2010) an installation with rows of wooden chairs and a projected film. In the back of the room, one chair mysteriously rocks back and forth, as if led by an invisible hand.









Роман Зигнер (нем. Roman Signer, 1938) — швейцарский художник.
Р.Зигнер известен тем, что заставляет обычные повседневные объекты делать необычные вещи. На «Documenta 8» (1987), например, он запустил тысячи листов бумаги в воздух, создав на непродолжительное время эфемерную стену. Для «Skulptur Projekte» в Мюнстере в 1997 он встроил трубку в трость и заставил ее танцевать над прудом, рисуя на зеркальной поверхности воды тонкой струей воды. Роман Зигнер представлял Швейцарию на Венецианской биеннале в 1999.
Повседневные объекты, такие как зонты, столы, ботинки, контейнеры, шляпы и велосипеды — небольшая часть визуального словаря художника. Также он использует взрывчатые вещества для быстрых изменений и преобразований, такие природные элементы, как вода, воздух, огонь и земля. Вырывая знакомые объекты из привычного контекста и сочетая их новым неожиданным способом, он открывает зрителю, как ограничен обычный взгляд на окружающие объекты. Его скульптуры и инсталляции, рисунки и видео, которые часто замораживают временные скульптуры в постоянные формы, всегда предлагает переосмысление моделей восприятия, которые мы считаем само собой разумеющимся.
Роман Зигнер всегда описывал себя как скульптора. Исходя из процесс-ориентированной концепции скульптуры 1960-х и 1970-х, художник видит свои работы как пластические формации в пространстве и времени. Он переводит статику и объектную природу традиционной скульптуры во временные скульптуры, расширяя концепцию скульптуры, определяя момент сам по себе как пластический. В его работе действие и скульптура, динамичные и статичные моменты не являются взаимоисключающими, а являются частями одной структуры. Каждая работа Зигнера может быть разделена на «до», «происходящее событие» и «после». Его объекты и инсталляции содержат следы, указывающие на предварительные процессы создания или на возможные изменения, которые могут возникнуть. Работы Романа Зигнера оперируют на границе конкретного и воображаемого.

@темы: работа

---

вместо этого убожества надо смотреть Death Comes to Pemberley
чем я сегодня вечером и займусь

@темы: кино

---

как бы вы перевели (красиво) выражение A World of Its Own?

мир как он есть
мир (сам) в себе
собственный мир
(ваши варианты)

@темы: работа

---

Снова озадачилась люстрами
Какие в москве есть хорошие интернет-магазы света?
Желательно с шоу-румами

запись создана: 04.01.2014 в 16:48

@темы: покупки

---

что это сейчас было?!

апд
ха
я дописала уничижительный коммент, а диарея его съела

апд2
нет. слава кэшу

я вижу, кому-то нравится эта тошнотворная сладкая бурда
неструктурированный сюжет
укачивающий абсолютно (у меня к последнему получасу уже болела голова)
какие-то сказки 1001 ночи. множество начал, множество концов, история внутри истории. неправдоподобно добренький шерлок, как будто бы сам беременный
токсикоз

@темы: холмс

---

@темы: оккульт

---

нужен ваш опыт в унитазостроении

если начал забиваться унитаз
вдруг
никогда в жизни не забивался, а последние полгода - напасть
раз в месяц точно

это значит, что?
дело в нашей квартире? или кто-то по стояку чудит? если, например, ребенок сверху кидают туда какие-то свои игрушечки, может ли это влияют на спускаемость воды в нашем клозете?

@темы: техническое

---

тут такое дело: мои дружественные рижане-психологи делают тест для выявления типов путешественника
чтобы турагентства могли людям предлагать не все подряд, а строго конкретно - по темпераментам, физ предрасположенностям и т д
чтобы сделать эту анкету, нужно, чтобы несколько сотен добровольцев прошли черновое тестирование
довольно нудное и длинное. но таков уж научный подход

поэтому, если у вас есть свободные 20 минут, и вы хотите принести пользу науке психология, ответьте на вопросы тут
cheaptrip-test.itmclient.com/

еще раз предупреждаю, что это не торт, а рабочий черновик

запись создана: 01.01.2014 в 23:32

@темы: работа